当前位置:首页>>表演基础>>正文

话剧表演和影视表演的区别

来源:表演艺考 时间:2020-05-17 作者:表演高考培训
喜报

在表演这条路上一直都有很多学生会困惑,话剧表演和影视表演的区别在于哪里?难道仅仅是一个面对镜头,一个更加直接面对观众?那么今天我们就来区分一下两者之间的区别!

 

一、表演的生活化

电影的纪实性要求电影表演必须真实、自然、生活化。电影演员是在真实的外景或逼真的内景中进行表演创作的,这就要求演员的创作与真实的环境融为一体,同样真实。

戏剧演员是在虚拟的舞台和规定的情景内进行表演创作,这就要求演员的创作在假定的舞台上要有很强的信念感、相信自己在假定的环境中,并真实的感受。

另外,电影摄影机的运动随时改变着观众的距离与视点。在近景和特写中,演员的一个眼神、肌肉的抽动、皱纹的颤抖都清晰可见,任何虚假、夸张的表演都使观众难以忍受。

戏剧演员是在舞台上,要在全身的形体带动下去行动,完全要融入到规定情景中,和影视的区别是,当站在话剧舞台上时,因为演员距离观众有一定的距离所以很多面部表情和细小的动作看的不是很清楚,所以在话剧舞台上会放大这些细小的动作。

当然,电影表演和戏剧表演的生活化决非用生活去代替表演,不是自然主义地再现一切生活内容,它是以生活原型为基础,经过选择、提炼,再现生活中的人物性格的艺术。戏剧艺术展现手法要相对夸张。

二、表演的连续性与非连续性

时空自由是电影艺术独具的特点。影片中镜头的分割与组合,可以将任何画面与其他画面并列。这种时空的自由造成电影表演的非连续性。为了生产上的需要,电影拍摄既不连贯,又不按顺序,它使演员在几个月甚至更长的时间里断断续续甚至颠倒地生活(扮演)在角色中,然而电影在放映时又是连续的并不颠倒的,这就要求电影演员具有在非连续性的“镜头表演”中保持人物形象的统一性、完整性的能力,能保持人物思想、感情、性格的连续性。要求电影演员充分深入地研究剧本,把握人物基调、性格及其发展,掌握剧情的矛盾冲突和人物形体、心理动作线,确定角色的重场戏、过场戏和高潮戏,处理好表演的力度和节奏。

时空局限是戏剧艺术的特点,戏剧演员在几个月的时间里一直从头体验到尾,可以说是一天以剧情人物生活几次,不时的体验,不时的创新,并且在正式演出时,一旦开始就不会停下,直到演出结束为之!从而也就造成了戏剧的连续性。

三、镜头感与整体感

电影演员是在摄影机镜头前进行表演创作的,因此必须有镜头感。镜头感包括:表演生活化;对画面的想象与体会;对不同景别、不同摄影技巧的适应;对摄影棚、实景拍摄以及无观众交流、无对手交流的适应。电影演员必须学会分析分镜头剧本提供的条件并根据导演的艺术处理来设计和构思自己的表演,不同景别的镜头要以不同的表演分寸和手段来体现。远景和全景、近景与特写这两极镜头要求演员运用不同的动作幅度和功力技巧。要求更丰富的内心体验和细腻的表情。

戏剧演员在舞台上进行创作,注重的是外部整体感,因为舞台是固定的,要根据场景的假定性来使观众相信。戏剧演员在台上分析调度、空间结构,来让舞台愈加真实。因此戏剧演员更注重的是舞台整体,而不是个体。

四、生产条件对演员的要求

电影表演不仅与电影艺术的特性有密切联系,而且受到电影企业生产条件的制约,电影演员必须适应其各种条件。例如,要经受“无穷等待”的考验:拍内景,要等布光、等摄影技术条件、等美工、等化装、等道具等等;拍外景,要等日出、等日落、等下雨、等下雪等等。又如要适应各种拍摄条件,如寒冷、高温、强光照射等等。

戏剧表演是与表演艺术紧密相连的,舞台的假定性可以在任何时候下雨,通过自身的表演,让观众感受到雨水。没有制约。

五、一次性的艺术

电影表演一般都是一次性的艺术,在通过后期剪辑后在电视上播出,这就是这部影视的生命结束。

戏剧表演是多次性的艺术,因为戏剧演员每次演出都有新的体验,也有新的表现。可以说戏剧演员每演一次就会有不同的感受与体现。

话剧可以说是表演艺术的基础,全世界的艺术院校,都是教如何演话剧。而不是针对影视表演告诉学生,镜头里脸的角度怎么控制,身体的角度怎么变化,胸前带着麦克风怎么演戏……还有,很多专业演员都知道,下一个镜头里自己的动作仍然需要按照之前镜头记录的顺序来,但是并不真正明白这么做的重要性。比如,一开始,你拿起手机,打了个电话,放下电话,拿起书,看了一眼,扔掉。这个顺序,记住它!在下一次的拍摄里,仍然这样去做,这会给后期剪辑省掉很多麻烦。能这样做的演员,才会独得导演和剪辑师的宠爱,得到更多好看的镜头。这很重要,毕竟,拍戏不是演完就算了,成品是什么,还要看后期的剪辑。

在镜头面前表演,时刻都被考验着,不管你演过多少戏,都必须不断地去学习。知名演员们为什么他们的表现一直很好,因为他们不仅会不断打磨自己的基本功,也会去学习实践镜头前的表演,只有不断的学习你才能朝着一个真正演员的方向靠近!

天籁荣誉